Archiv: Ausstellungen

Ausstellung im Kulturverein Provisorium, Heiligkreuzstraße 4, 72622 Nürtingen

20.05 – 24.06.2026

Eröffnung: 20.05.2026, 19 Uhr

Begrüßung: Prof. Dr. Till Ansgar Baumhauer

Einführung: Prof. Dr. Gabriele Abels, „Frau Europas 2026“, Jean Monnet Chair for Comparative Politics and European Integration, Tübingen

Der Künstler ist anwesend: 21.05. (20–22 Uhr), 23.05. (15–18 Uhr), 28.05. (20–22 Uhr), 30.05. (15–18 Uhr)

Workshop: Sa. 13.06.2026, (15–18 Uhr). Thema: „Welche Argumente gibt es für mögliche Standorte eines Sockels der Freiheit?“

Finissage: 24.06.2026, 19 Uhr

Aktuell: Sa. 13.06.2026: Workshop: Wo soll Europa stehen?

Im Rahmen des Projekts Where Liberty Stands laden wir alle Interessierten zu einem offenen Workshop ein. Im Mittelpunkt steht die Frage, an welchem Ort ein europäischer Sockel entstehen könnte — nicht als fertige Setzung, sondern als gemeinsamer Denkprozess.

Gesucht werden keine perfekten Orte, sondern begründete Vorschläge: Orte, die etwas über Europa erzählen, eine Frage aufwerfen oder einen Konflikt sichtbar machen. Jeder Vorschlag soll deshalb nicht nur einen Standort nennen, sondern auch erklären, warum gerade dieser Ort für Europa bedeutsam sein könnte.

Im Workshop entwickeln wir gemeinsam mögliche Standortvorschläge, diskutieren ihre Argumente und erproben, wie daraus ein öffentliches Verfahren entstehen kann: Vorschläge, die genügend Unterstützung finden, sollen später in einer offenen Liste sichtbar werden und in ein Ranking eingehen.

Die Standortfrage wird damit selbst zum künstlerischen und demokratischen Prozess. Wer einen Ort vorschlägt, gibt nicht nur eine Stimme ab, sondern bringt eine Position ein.

Alle Interessierten sind eingeladen, mitzudenken, mitzureden und eigene Vorschläge einzubringen.

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Where Liberty Stands 

Wo steht die Freiheit in Europa?

Das Kunstprojekt „Where Liberty Stands“ nimmt eine historische Geste zum Ausgangspunkt: die Schenkung der Freiheitsstatue. Sie wirkte als politisches Symbol weit über sich selbst hinaus und versuchte, politischen Einfluss zu nehmen. Als bewusste Re-Inszenierung und unter Umkehrung der damaligen Verhältnisse fordert das Projekt „Where Liberty Stands“ auf, selbst zu bestimmen: Was bedeutet Freiheit in Europa – und wo sollte ein Symbol dafür stehen?

Im Zentrum steht die konkrete Realisierung eines Sockels im öffentlichen Raum. Er ist Voraussetzung für den weiteren Prozess, sei es die symbolische Forderung nach Rückgabe der Freiheitsstatue oder die kollektive Entwicklung eines neuen zeitgenössischen Freiheitssymbols. Der Sockel fungiert als künstlerischer Impuls. Er wird zur „Attrappe“ im produktiven Sinn: eine reale Fiktion, die einen ernsthaften Diskurs provoziert.

Sein Standort ist nicht vorgegeben – er soll durch einen offenen, europaweiten Prozess bestimmt werden: durch Vorschläge, öffentliche Diskussion und die Beteiligung möglichst vieler Menschen.

Alle können sich einbringen – nicht nur mit ihrer Stimme für einen Standort des Sockels, sondern auch durch Ideen für eine reale Umsetzung.Der Sockel wird durch viele getragen – und durch viele entschieden.
Das Projekt versteht sich dabei nicht als abgeschlossene künstlerische Setzung, sondern als offener Rahmen: Der eigentliche künstlerische Prozess liegt in der Moderation einer realen, kollektiven Entscheidung – jenseits vorgegebener institutioneller Strukturen.

Die Präsentation im Schauraum ab dem 20.05. gibt erstmals Einblick in Konzept, Hintergründe und mögliche Umsetzungen. Historische Bezüge treffen auf aktuelle künstlerische Positionen und eröffnen einen Diskursraum.
Das Publikum ist eingeladen, sich aktiv einzubringen: Vorschläge zu machen, Positionen zu formulieren und Teil eines Projekts zu werden, dessen Ausgang offen ist – dessen Umsetzung jedoch ernsthaft angestrebt wird.

Wo die Freiheit steht, wird gemeinsam entschieden.

It will be decided together where liberty stands.

Eugenio Rivas und Jürgen Fritsche arbeiten seit über 20 Jahren an gemeinsamen Kunst- und Lehrprojekten zwischen München und Málaga. Ihre Zusammenarbeit bewegt sich an der Schnittstelle von Bild, Raum, Körper und performativer Praxis. Die dabei entstehenden Werke und Ausdrucksspuren sind häufig temporär.

In ihren „Crossover-Situationen“ entwickeln sie Handlungen, Ereignisse und Setzungen, die sich im kollaborativen Prozess fortlaufend verändern und neue Erfahrungsräume eröffnen.

In der aktuellen Ausstellung realisieren sie diesen Ansatz innerhalb eines mehrtägigen Arbeitsablaufs im Nürtinger Schauraum. Durch prägnante Veränderungen der Raumsituation vor Ort entstehen neue Möglichkeiten der Wahrnehmung und Differenzerfahrung. Das resultierende Spannungsfeld lädt ein zu eigenen Suchbewegungen und ungewohnten Entdeckungen.

Eröffnung: 6. Mai 2026

Ausstellungsdauer: 6. bis 14. Mai 2026

Besichtigung: Donnerstags 20-22 Uhr und nach Vereinbarung.

Studierende des letzten Semesters im Bachelor Kunsttherapie (HfWU) zeigen, was oftmals ungezeigt bleibt. Sie regen zum Sprechen an, wo oftmals Tabus verhängt sind. Eine FLINTA*-Perspektive auf Gesellschaft, Religion und das ganz persönliche Erleben.

Celina El Midani verbindet in ihren Arbeiten feine Haarstickereien mit lebendiger Malerei zu einem Spiegel unserer Gesellschaft. Unsichtbar und doch unverzichtbar weben sich Frauen in die Strukturen des patriarchalen Systems, oft übersehen und selten gewürdigt. Sie betont in ihren Arbeiten eben das, was sie kritisiert, und schafft so Sichtbarkeit für unsichtbare Themen.

Leticia Ferreira Schmidt widmet ihre Werke der Vielschichtigkeit von Weiblichkeit. Sie verbindet Zartheit mit Provokation und schafft Räume für neue Perspektiven. Mit humorvoller Subversion spielt sie ironisch mit Vorurteilen und entlarvt gesellschaftliche Erwartungen als absurd. Zugleich setzt sie sich kritisch mit der fortwährenden Sexualisierung des weiblichen Körpers auseinander. Sie verweigert den objektifizierenden Blick und zeigt den Körper nicht als Projektionsfläche für Begierde, nicht als Idealisierung oder Reduktion, sondern als lebendigen, fühlenden und selbstbestimmten Organismus. So führt sie ihn zurück in einen Kontext von Natürlichkeit, Würde und Eigenmacht. Trotz impliziter Kritik bleibt ihre Kunst nie zynisch, sondern sucht stets auch die Schönheit hinter dem vermeintlich Unschönen. Für sie darf Schönheit ihren festen Platz haben und ist kein Zwang, sondern eine freie Entscheidung. Ihre Kunst zeigt, dass Widerstand und Anmut sich nicht ausschließen, sondern kraftvoll nebeneinander bestehen können. Instagram: @ichkunstdich

Mit BEING GAZE bringt die Künstlerin Leonie Günther ihr gleichnamiges Tanztheaterstück auf die Leinwand. Der Film kreist um den Blick, und um die Frage, was mit einem Körper geschieht, der über Jahre betrachtet, bewertet und normiert wird. Zwischen Rollenbildern, Erwartungen und dem Gewicht kollektiver Geschichte entsteht ein Spannungsfeld aus Erstarrung und möglichem Ausbruch. BEING GAZE schaut auf das was versteckt bleibt – wo etwas im Inneren zu verschwinden beginnt und sich zugleich etwas dagegen auflehnt. Instagram: _leonie_guenther

Novender setzt sich in der Kunst direkt und kompromisslos mit Ungerechtigkeit und patriarchalen Strukturen auseinander. Themen werden sichtbar, die vor allem weibliche Körper betreffen und gesellschaftlich oft verdrängt werden. Es werden klar und ohne Umwege Machtverhältnisse in Frage gestellt. Dabei wird der Körper nicht als Objekt, sondern als selbstbestimmter Ort von Erfahrung und Widerstand verstanden. Unbequem, ehrlich und präsent wird Raum für Perspektiven geschaffen, die sonst ungesehen bleiben.

Coco S. ist eine Künstlerin aus Tübingen. Neben ihrer sonst von biografischen Inhalten geprägten Kunst beschäftigt sie sich seit mehreren Jahren mit der gesellschaftlichen Tabuisierung von Menstruation. Darüber hinaus thematisiert sie geschlechtsidentitäre Fragen und ungleiche Machtverhältnisse zwischen den Geschlechtern im Alltag. Der künstlerische Vielklang von „taking space“ bietet ihren Werken einen Ort der Resonanz. Website: https://cocosartist.my.canva.site/

In Südafrika wurde 2012 „fossiler Regen“ gefunden.

Vor 2,7 Milliarden Jahren brach ein Vulkan aus, es begann zu regnen und Regentropfen fielen in die frische Vulkanasche. Dort hinterließen sie kleine Krater, auf die dann neue Vulkanasche fiel. Diese Situation versteinerte im Laufe der Jahrmillionen. Durch Erosion freigelegt, können wir heute die Abdrücke der Regentropfen betrachten. Das flüchtige und alltägliche Ereignis eines Regenschauers fand durch das Zusammentreffen mit dem Vulkanstaub eine materielle Form, die Milliarden von Jahren überdauerte.

Die spezifische Materialität dieses beeindruckend kleinen erdgeschichtlichen Ereignisses fasste Peter Weiss 2013 als Teil einer Textarbeit in einem Satz zusammen. Dieser ist nun, 13 Jahre später, Titel der gemeinsamen Ausstellung mit Ursula Oberhauser: Abdrücke von Regentropfen, die vor 2,7 Milliarden Jahren in Vulkanstaub hinterlassen wurden. Er bezeichnet einen realen paläontologischen Fund und    eröffnet zugleich einen weit darüber hinausreichenden imaginativen Raum.

Ähnlich der wundersamen Verwandlung von einfachen Regentropfen in Abdrücke, die Milliarden Jahre später gesehen werden können, entstehen die Arbeiten von Ursula Oberhauser und Peter Weiss aus einfachen, alltäglichen Materialien. Beide KünstlerInnen interessieren sich für Dinge, die sie in ihrer Umgebung finden und beschäftigen sich mit deren material- und situationsimmanenten Qualitäten. Ihre Arbeiten transformieren das „Unbeachtete“ in etwas, dem in veränderter Präsentation und an einem anderen Ort Aufmerksamkeit geschenkt werden kann. Es bleibt dem Betrachter überlassen dieses als Kunst wahrzunehmen und die Transformation zu vollenden.

Text: Ursula Oberhauser/ Peter Weiss

Eröffnung am 25.3.2026, 19 Uhr

Öffnungszeiten:

Donnerstags 20-22:00 und nach Vereinbarung
Samstag, 11.04.2026, 14-17 Uhr
Sonntag, 12.04.2026, 14-17 Uhr

www.ursulaoberhauser.de

www.instagram.com/ursulaoberhauser

www.pweiss.com

– English version below –

Erst Anfang Dezember ist die junge afghanischen Künstlerin, die unter dem Künstlerinnenpseudonym KIMIA arbeitet, in Deutschland angekommen. Nach über zwei Jahren voller Unsicherheit und Anspannung in Pakistan hat sie mit Hilfe des deutschen Bundesaufnahmeprogrammes in Nürtingen bei Stuttgart einen neue Lebensmittelpunkt gefunden, der hoffentlich zur Heimat werden kann.

Ungeachtet der vergangenen Schwierigkeiten präsentiert sich KIMIA nur wenige Wochen nach ihrer Ankunft im SCHAURAUM des Provisorium e.V. in Nürtingen erstmals mit ihren Arbeiten in Deutschland. Mit dieser Ausstellung hat sie die Möglichkeit, Kunst und Botschaften in die Sichtbarkeit zu bringen, die bislang nur anonym im Projekt „Hidden Statement“ international rezipiert wurden.

Im Schauraum zeigt KIMIA einerseits digitale Werke aus den vergangenen Jahren sowie Reproduktionen von Arbeiten, die bei ihrer Emigration in Afghanistan verbleiben sind, andererseits aber auch neue Werke und einen Animationsfilm.

Kunst ist dabei ihr Medium, um auf die zutiefst prekäre Situation afghanischer Frauen in ihrer Heimat hinzuweisen, die von allen Formen öffentlicher gesellschaftlicher Teilhabe und weiterführender schulischer und akademischer Bildung abgeschnitten sind. In symbolhafter Transformation macht die Künstlerin diese tragische Situation sichtbar, transformiert sie zugleich jedoch in allgemeinere Sinnkontexte. Die ausgewählten Arbeiten erfahren durch mehrsprachige Texte eine inhaltliche Erweiterung und Ergänzung.

Dies ist der Notwendigkeit geschuldet, nach wie vor auf die misogynen Zustände hinzuweisen, denen sie nun entkommen ist und die sie an ihrer freien künstlerischen Weiterentfaltung gehindert hätten.

Der Titel der Ausstellung ist damit ebenso eine Beschreibung der emotionalen Kraft und der aktuellen Situation der Künstlerin wie ein Wunsch für ihre Schicksalsgenossinnen.

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The young Afghan visual artist using the artistic pesudonym KIMIA for her work arrived in Germany only at the beginning of December 2025. After more than two years of uncertainty and tension in Pakistan, and with the help of the German Federal Reception Programme, she has found a new home in Nürtingen near Stuttgart, which will hopefully become a new place for living.

KIMIA is presenting her work in Germany for the first time at the SCHAURAUM of Provisorium e.V. in Nürtingen, despite her past difficulties and just a few weeks after her arrival. This exhibition gives her the opportunity to bring her art and messages to the fore, which until now have only been received anonymously in the internationally acclaimed ‘Hidden Statement’ project.

In the SCHAURAUM, KIMIA is exhibiting digital work from the recent years and reproductions of older works that remained in Afghanistan when she emigrated, as well as new original work and an animated film.

In the work shown, fine art is her medium for drawing attention to the deeply precarious situation of Afghan women in their homeland, who are cut off from all forms of public social participation and further school and academic education. In symbolic form, the artist makes this tragic situation visible, while at the same time transforming it into more general contexts of meaning. The selected works are expanded and supplemented in terms of content by multilingual texts.

This is due to the need to continue to draw attention to the misogynistic conditions from which she has now escaped and which would have prevented her from freely developing her artistic talents.

The title of the exhibition is thus as much a description of the artist’s emotional strength and current situation as it is a wish for her fellow women whose fate she shared for so many years.

Collage – Objekte

Unter einem Titel, der den Anspruch auf eine fast universale Botschaft, Schaffenskraft oder sogar auf Vollständigkeit anmeldet, verwandelt der Künstler den Schauraum in ein faszinierendes, ironisches „Panoptikum der Sinnesreize“ und zugleich in eine Art papierene Wunderkammer.

Hubrig arbeitet ausschließlich mit originalen historischen Druckerzeugnissen, die er liebevoll sein „Blattgold“ nennt – darunter Schnittmusterbögen, Werbefragmente oder Illustrationen aus Magazinen wie „Quick“ oder „Merian“. Alle Materialien stammen aus der Zeit vor seiner Geburt im Jahr 1969 und bewahren so eine zunehmend verschwindende Welt, die er selbst nie erlebt hat und die sich für ihn aus medialen Abbildern generiert.

In seinen intuitiv entstehenden Werken spielt der Künstler mit den Klischees der Fifties und Sixties, hebt Raum und Zeit auf und schafft traumhafte, teils bizarre „Schwebezustände“. Seine humorvoll-subversive Herangehensweise wirft eine Vielzahl von Fragen auf und zeigt, wie fließend die Grenzen zwischen Alltagszeugnis und Kunstobjekt sein können. 

Zum Künstler:

Alex Hubrig, ursprünglich aus Marbach am Neckar, lebt und arbeitet seit 2014 in Nürtingen. Er war bis 2024 Mitarbeiter an der Freien Kunstakademie und ist neben seiner bildnerischen Arbeit auch durch verschiedene musikalische Aktivitäten bekannt. Die Collage ist für ihn nach wie vor ein höchst aktuelles künstlerisches Medium.